Gigantisk linotrykk med veivals i Byparken!

Med kulturprisvinner og kunstner Ivar Rudi i spissen ble det trykket et gigantisk linoleumssnitt med veivals i Byparken i Haugesund, lørdag 11. mai 2019. Motivene ble laget av skoleelever på Haugalandet og barn og voksne tilstede på familieverkstedet i Byparken. Se det fantastiske resultatet!

The HIT Award winners 2019!


A professional jury consisting of Rita Marhaug (jury leader), Thomas Kilpper and Cecilie A. Størkson selected the artists who are participating in the exhibition and the three prize winners. The HIT Exhibition awards three prizes: The Seglem prize of 100.000 NOK (funded by Trygve Seglem), the HIT Prize of 50.000 NOK (funded by Haugalandmuseet-Haugesund Museum of Fine Art) and the Goa Prize 30.000 NOK (funded by Haugesund Art Society).

The jury statement: PRIZE WINNERS 2019

After reviewing all the contributions to Haugesund International Festival of Artistic Relief Printing 2019 – this includes the works accepted by the jury as well as the works by specially-invited artists – the jury has made its decisions.

“When the jury (Cecilie Almberg Størkson, Thomas Kilpper and Rita Marhaug) met at Haugesund Billedgalleri to select the prize winners, we were faced with great diversity.

Each work of art in the exhibition is a contribution that celebrates the field of printed art in general and relief printing in particular. Three criteria have steered the jury’s discussions and selection of the three prize winners: diversity, tradition and innovation.

The jury would also like to highlight certain works which we think deserve extra attention through honorable mention.


1. ‘The Seglem Prize’, NOK 100 000

Rop i skogen (Shout in the Woods), Idun Baltzersen (Norway)

In recent years, young women have made energetic inroads into the male-dominated field of printed art. Idun Baltzersen is one such woman. Her work Shout in the Woods reflects both tradition and innovation. Her woodcut is impressive in both execution and format. It has precision and refreshing rawness in its expression. Baltzersen makes her marks and cuts into the wood with confidence and energy. Both the printing plate and the printed work reveal a love for the media, but also productive aggression.

Baltzersen has chosen to print her wooden templates on textiles. The cut subject consists of clear, figurative forms, while the printing is rough and nonchalantly executed. Flecks and other traces of the process are important components. The large format (260 cm x 260 cm) is given a sculptural character through the sewing together of several pictorial fields into one unified work. The picture folds and flaps against the wall and lacks precise edges.

The female figures who turn their backs to us hold various references: one that readily comes to mind is the aloofness of teenagers who turn a cold shoulder to people not in their click. Another is Romanticism’s figures as seen from the back, standing before sublime nature.

Baltzersen’s girls quite literally have a dark quality about them, and unlike the male figures in pictures from the 1800s, they fill the entire format without us knowing what their hidden faces are looking at or into. In contrast to the Romantic tradition, the girls’ backs loom large, with ponytails and hoodie jackets dominating the pictorial plane. Turning away from us, they block our view – or insight – into their world; the world of the next generation. Baltzersen has created an image of liberated girls with the self-confidence to reject us, and it can be experienced as both provocative and enticing.

Idun Baltzersen (b. 1987) is Norwegian but lives and works in Stockholm, Sweden.

Rop i skogen (Shout in the Woods), 2018
Woodcut printed on textile, collage
2,6 x 2,6 m

2. ‘The HIT Prize’, NOK 50 000

Every time there is a suggestion there is a suggestion, Ciara Phillips (UK)

This work is in itself a celebration of printed media. Phillips’s print seems quite simple in its collage expression. She nevertheless signals, quite literally, her great ambitions on behalf of the print: she uses a standard 120 x 240 cm plywood board as her printing plate. Due to this construction material’s standard size, her work gains an architectural dimension. The use of colours is striking and fresh. The picture offers a playful and suspenseful unity of printed forms and colours.

In the many details and pictorial elements, one discovers the refinement and knowledge of the media that undergird Ciara Phillips’s practice. In the pictorial ground, there is an even green wood structure, while the inset elements show variations of monotype and screen-printing in contrasting colours such as red, violet, blue and black – there are some direct imprints of paper clippings, and others involving photomechanical techniques. The elements contain references and hints about the great breadth of printed art and its creative potential.

Even though colours, materials and artistic processes are prominent in this work by Phillips, it is far from being a purely media-specific exploration. Notice the picture of the young person in a T-shirt with the text ‘Apathy Kills’! It tells us about Phillips’s belief in – and use of – the great social and political potential of printed art.

The picture’s title is a quote from Gertrud Stein. Phillips thus points to a feministically anchored project.

Ciara Phillips (b. 1976) is originally from Canada but now lives and works in Glasgow, UK.

Every time there is a suggestion there is a suggestion – Gertrude Stein (1914), 2018
Relief printing, screen printing, monotype
(240 x 120 cm)

3. ‘The Goa Prize’, NOK 30 000

Yellow Journey 1–4, Jayeeta Chatterjee (India)

The jury was immediately charmed by Chatterjee’s colour woodcuts. The series Yellow Journey has an intimate format, and the size of each work varies. With their narrative character, the pictures show everyday scenes inside homes. Apparently simple in form, these excerpts contain small stories, pictures inside pictures that challenge us to study each scene as a whole, as well as its details. A main structural element is Chatterjee’s use of colour. Complex knowledge is needed to create these pictures. The results are atmospheric and personal in their painterly aspect of overlapping fields of colour and distinctive printed structures.

Jayeeta Chatterjee (b. 1995) studies at the Faculty of Fine Arts, Maharaja Sayajirao University of Baroda in Vadodara in the state of Gujarat, India.

Yellow Journey 1-4, 2018
Colour woodcut
varying sizes

Honourable mention from the jury (in alphabetical order):

Ragna Misvær Grønstad (Norway)

The jury quotes David Lynch: “Ideas are like fish. If you want to catch little fish, you can stay in the shallow water. But if you want to catch the big fish, you’ve got to go deeper. Down deep, the fish are more powerful and more pure. They’re huge and abstract. And they’re very beautiful.”

We encourage the public to allow themselves to be seduced by Grønstad’s large, magical woodcut series of Saltwater Flowers in deep dark colour tones.

Wu Jiantang (China)

The jury is impressed with Jiantang’s amazingly detailed and well-executed woodcut. In addition to using regular cutting tools, it seems as though he has developed and used knives of a hair’s breadth to render the thinnest lines possible. Through both technique and subject matter, his woodcut represents a unique universe. We challenge the public to wander inside Rainbow Mountain, a magical pictorial story with many layers.

Douwe Mulder (The Netherlands)

Per Kristian Nygård (Norway)

Both Mulder and Nygård represent fascinating conceptual approaches to relief printing.

Mulder shows us an unsentimental approach to printing in his series Readymade Reliefs, in which he presents prints of the undersides of mass-produced objects such as refrigerators and loudspeakers. The prints result in abstract linear patterns that contain both critical distance and a humorous embrace of our everyday technology.

Nygård also uses readymade matrixes as the basis for his project Change as a Form of Repetition. Here, however, it is human actions that are embedded in a series of discarded cutting boards that have been printed on paper. In a single print, Nygård captures many decades of kitchen activity in an unexpected way, one that also affects us emotionally.

On behalf of the jury,
Rita Marhaug
Bergen, 30 April 2019

Sjøhuset til Trygve Seglem og kontorbygget til rederiet Knutsen OAS Shipping AS, Foto: Arkitektkontoret Brekke Helgeland Brekke AS

Sjøhuset til Trygve Seglem og kontorbygget til rederiet Knutsen OAS Shipping AS, Foto: Arkitektkontoret Brekke Helgeland Brekke AS

Trygve Seglem tar i mot oss på Knutsen OAS Shipping sitt kontorbygg i Haugesund. Bygget, som er tegnet av arkitektfirmaet Brekke Helgeland Brekke, er formet i en bue ut mot Smedasundet, med et langt vindusbånd som sikrer størsteparten av møterommene og kontorene panoramautsikt mot havet. Når Haugesund Billedgalleri kommer på besøk er Smedasundet mørkeblått, med hvite skumtopper fra nordavinden – men utenfor blomstrer kirsebærtrærne og minner oss om at det tross alt er mai. Det er denne utsikten kunstverkene i kontorbygget må konkurrere med. Og dem er det mange av.

Seglem, som har vært leder for Knutsen OAS siden 1988, er nemlig kunstsamler. Han er stadig på utkikk etter kunstverk som treffer han. For som han selv sier, han kjøper ikke kunst som en økonomisk investering. I en utgave av internmagasinet Knut’n fra 2016, konstaterer han: ”Jeg har aldri solgt et bilde”. Men lånt dem ut, det har han. På møterommet som refereres til som peisestuen, står det et stort Håkon Bleken-maleri, returnert etter utlån til Henie Onstad Kunstsenter. Bleken er en av Seglems store favoritter. Ved siden av Bleken-verket står det et nyinnkjøpt arbeid av Fredrik Værslev, enda ikke pakket ut. Det har Seglem akkurat kjøpt på auksjon. En annen norsk samtidskunstner Seglem er i ferd med å opparbeide seg en god samling av, er Rita Marhaug. Hun er representert i kontorbygget både med en rekke figurative trykk, og en mer abstrakt vegginstallasjon. Store, oljeaktige dråper i sort plast brer seg langs veggen fra resepsjonen og opp mot møterommet der Seglem sitter.

Seglem har lenge vært en støttespiller for Haugesund Billedgalleri og Haugesund Kunstforening. Også for HIT- og AVTRYKK-festivalen har han vært en viktig bidragsyter. Seglem-prisen, som er på 100.000 kroner, deles ut som førstepris til en av kunstnerne i den omfattende HIT-utstillingen - Trykk i tiden, under utstillingsåpningen på Billedgalleriet fredag 10. mai. Men han bidrar også til festivalen med utlån av lokaler. Like nedenfor kontorbygget til Knutsen OAS, ligger sjøhuset til Trygve Seglem. Bygget, som en gang nok har vært et funksjonelt sjøhus, er i dag tilpasset møter, foredrag og andre samlinger. Vi får låne det til å holde foredrag i. Søndag klokken 16 den 12. mai, som aller siste innslag på festivalprogrammet, holder nemlig kunstkritiker Trond Borgen foredrag om Trygve Goa her inne.

Det er ikke tilfeldig at nettopp sjøhuset til Seglem ble valgt som lokasjon for Borgens foredrag. Her inne henger nemlig det som sannsynligvis er den største private samlingen av Goas trykte arbeider. Treveggene i sjøhuset er dekket med bilder, hengt opp tett i tett i salongutstillingens ånd. De innrammede bildene må føye seg etter arkitekturen – noen av dem får akkurat plass i mellomrommet mellom to bjelker. Også i denne settingen, langt fra den hvite kuben vi så ofte møter kunsten i, sparker Goas kraftfulle lino-trykk godt fra seg.

Trygve Goa har vært viktig både som kunstner og person, for Trygve Seglem så vel som for Trond Borgen. Seglem forteller at han som skoleelev faktisk hadde Goa som tegnelærer. Han var ikke den som sa mest, minnes Seglem – ”en gang gikk det en hel skoletime uten at Goa sa et ord”, kan han fortelle. Fåmælt men bestemt, beskriver Seglem han som. Det er lett å forestille seg at det tidlige møtet med Goa har hatt betydning for den sterke kunstinteressen Seglem i dag fremviser. Når det gjelder Trond Borgen, har han holdt flere foredrag om Goa. Og det var faktisk Goa, i egenskap av kunstner og intendant ved Haugesund Billedgalleri, som i sin tid åpnet for Borgens virke som kunstkritiker i Haugesunds Avis; Goa ble i starten Borgens mentor på dette feltet.

I sitt foredrag under HIT- og AVTRYKK-festivalen, Trygve Goa – svartekunstens mester, kommer Borgen til å presentere og analysere de viktigste motivene og temaene i Goas linosnitt, og han vil sette dem inn i en kunsthistorisk sammenheng. Det atmosfæriske sjøhuset til Seglem huser 50 publikummere. Så pass på å bestille din billett til Borgens foredrag om Goa i tide!

Trond Borgen  (Foto Inger Fluge Mæland).JPG

Trond Borgen er cand.philol. Han har vært kunstkritiker siden 1979, først i Haugesunds Avis, og siden 1984 i Stavanger Aftenblad, hvor han fortsatt er aktiv som kritiker. Borgen har skrevet flere bøker om samtidskunst, og han har samlet et utvalg av sine kunstkritikker i boken ’Tankens form. Kunstkritikk 1979 – 2008’ (2008). Han har også utgitt en bok om Lars Hertervig, ’Et indre eksil. Et essay om Lars Hertervigs papirarbeider’ (2005).  Hans siste bok er ’Det krumme skal bli rett. Kjell Pahr-Iversens kunst’ (2017).

Borgen har vært kurator for utstillingene ’Blind navigatør: Arven fra surrealismen’ (Prosjekt samtidskunst, Bergen 1991), ’Boxes’ (Museum of Installation, London 1999) og ’Utopia’ (Rogaland kunstmuseum, Stavanger 2000, co-kurator: Einar Børresen). Han har gjennom en årrekke forelest ved Distriktshøgskolen i Rogaland og Universitetet i Stavanger, og også i en periode ved Royal Academy of Arts i London.


Foto: Tou Trykk

Åse Anda har arbeidet med billedkunst i 30 år, og da spesielt innenfor grafiske teknikker. Hun har et abstrakt formspråk, der forhåndsbestemte rammer og begrensninger spiller en stor rolle. En slik forhåndsbestemt ramme kan for eksempel være en spesifikk farge som hun undersøker – for arbeidene hennes handler ofte om opplevelser omsatt i farger og former. Lag spiller også en viktig rolle i arbeidet: Lag av farger og lag av tid, som til sammen danner en helhet.

Åse Anda forteller om sitt hverdagsliv: ”Privat bor jeg på en bondegård med løe og stabbur fra 1840 på Stokka, midt i Stavanger. Jeg elsker å lage og spise god mat, når jeg står og blander farge i atelieret tenker jeg mange ganger at det like godt kunne ha vært mat jeg laget.” Muligens går det an å trekke denne sammenligningen mellom mat og kunst videre, og si at fargene og formene er Andas ingredienser når hun jobber, og at hun eksperimenterer med disse for å skape interessante, overraskende kombinasjoner. Noen ganger kan det også være kun én ”ingrediens” som undersøkes: Utgangspunktet for et kunstnerisk arbeid kan være så enkelt som en flate Anda snur og vender på, for å skape dynamikk og bevegelse.

Anda arbeider prosjektbasert. Hun er nysgjerrig, og veksler mellom forskjellige teknikker og uttrykksmåter, hun har alltid har mange prosjekter på gang. Gjennom årene har Anda deltatt i en rekke utstillinger i både inn og utland og samarbeidet med en rekke aktører: deriblant Norske Grafikere, European Contemporary Print Triennal, Toulouse, Frankrike ,The Mini Print International-Taller Galeria Fort, Cadaques, Spania, Galleri Gann, Stavanger Kunstforening, Statens Høstutstilling og Vestlandsutstillingen.

Til sin AVTRYKK-utstilling, som har fått tittelen WORK IN PROGRESS 2015-19, viser hun blant annet arbeid som hun har jobbet med over en lenger periode, men som fremdeles er under utvikling – som utstillingstittelen tilsier. Det gjelder særlig serien av silketrykk med tittelen AD INFINITUM – som på norsk betyr ”mot uendelig”. Om bakgrunnen for denne serien, en utforskning av kvadratformen, forteller Anda: ”I AD INFINITUM jobber jeg med kvadratet, dette som en respons på en kaotisk periode. Jeg måtte rydde opp, hodet mitt gikk i alle retninger og jeg kjente at denne forenklingen var noe som jeg kunne puste lettere i. Rammene og begrensningene skapte nye utfordringer. Kvadratet kunne gjentas i det uendelige samtidig som det hele tiden skaptes nye uttrykk.” Etter å ha blitt vist på Galleri Norske Grafikere i 2015, lå serien ”i dvale” i fire år. Til denne utstillingen har Anda tatt frem igjen disse arbeidene, og destruert dem: brutt dem ned for så å bygge dem opp igjen. Resultatet av dette, samt en serie monotypier og en kunstnerbok, kan du se under festivelhelgen, på visningsrommet Rom for!

Maria Sundby redigert.jpg

Maria Sundby er utdannet ved Kunsthøgskolen i Oslo, hvor hun mottok sin mastergrad i 2008. I en årrekke har Maria Sundby vært opptatt av forlatte og nedrevne hus og historiene bak dem, og undersøker på den måten tema som forgjengelighet og det som blir etterlatt. Historiene har fulgt henne gjennom kunstnerskapet, og har manifestert seg gjennom ulike uttrykk - både tegning, grafikk, maleri, skulptur, video og installasjon.

Til utstillingen hun skal holde i Haugesund, har Sundby med en kunstnerbok som samler en serie frottage-arbeider. Frottage er en teknikk som blant annet surrealistene på 1920-tallet benyttet seg av, hvor man legger papir over en ujevn overflate, og fargelegger over papiret for å få frem et avtrykk av overflaten. Sundby gjør dette ved hjelp av trykksverte og en baren, et redskap som brukes blant annet i japansk tresnitt, som Sundby bruker til å ”stemple” farge over papiret.

I kunstnerboken har Sundby samlet avtrykk blant annet fra Trollhaug, et sted som ligger i Solemskogen i Oslo, hvor det fra ca 1800-tallet frem til 1930-tallet var bosetninger. Alle de små husene som en gang fantes der, er revet i dag. Under mose og jord kan man likevel finne ulike ting som hørte til stedet den gangen det bodde mennesker der.

Sundby har også vært på Kloppa i Akershus for å lete etter historier. Der bodde en gang Anna Kloppa, på en gård sammen med sin søster. De to livnærte seg av et par kyr og noen høns. Anna gikk til fots hver eneste dag til Kolbotn med melk og smør de hadde kjernet - fra Kloppa til Kolbotn er det 1,2 mil hver vei. Historien om Anna er en beretning om et hardt liv som på mange måter har berørt Sundby. Da Anna døde rundt 1970, og ikke hadde noen etterkommere, ble husene på gården brent ned av kommunen. Det eneste som står igjen i dag er en falleferdig låve. I området der husene sto, har Sundby gravd fram ulike ting etter Anna. Selve kunstnerboken hun viser i Haugesund, er laget av Anna sin gamle sekk som lå inne på låven.

I tillegg til kunstnerboken kommer Sundby til å vise en rekke tresnitt i sin AVTRYKK-utstilling. Flere av disse har et underliggende politisk budskap, og viser til Sundbys engasjement i både kvinnekamp og urfolks rettigheter. Det visuelle uttrykket i Sundbys arbeider spenner fra det fotografiske til det fabulerende. Flere av Sundbys arbeider har referanser til pop-art og gatekunstens visuelle koder.

Maria Sundbys utstilling kommer til å finne sted i det gamle Bedehuset på Bakarøy. Det å stille ut på et sted som er langt fra et nøytralt utstillingsrom, er en spennende utfordring for henne. Hun kommer til å utforske mulighetene et slikt rom gir, blant annet ved å løfte trykkene ut fra veggene, og inn i rommet: hengende på rekke fra snorer spent opp i bedehuset - nesten som en klesvask. Resultatet kan du se under festivalhelgen – utstillingen til Sundby åpner kl 12 på torsdag 09. mai, og ønsker du å høre mer om den kan du bli med på kunstvandringen som starter kl 16 samme dag!

Maria Sundby (1977) har deltatt på en rekke gruppe- og separatutstillinger, i både i inn- og utland. Separatutstillinger ved blant annet GAD, UKS, Museet Midt-Norge og senest på Kunstplass 10 i Oslo. Hun har deltatt på gruppeutstillinger ved Tegnerforbundet, Kunstnerforbundet, Tenthaus, Moscow Museum for Modern Art, og en rekke andre gallerier i blant annet Berlin, New York, Istanbul og Leipzig. Sundby har dessuten gjennomført flere utsmykkinger i offentlig rom de siste årene.


Blikopeners fra Amsterdam - ungdom formidler kunst til ungdom!

Til seminaret ”Tilgjengeliggjøringens kunst”, som holdes lørdag 11. mai, får vi blant annet besøk av Blikopeners fra Stedelijk Museet i Amsterdam. Blikopeners, som på norsk kan oversettes til noe sånt som ”øye-åpnere”, er et program kunstmuseet Stedelijk har startet som en del av sin formidlingsavdeling. Det retter seg mot ungdom, og er også drevet av ungdom.

Anne Maria Sollie (1987, Amsterdam) er en av de to som kommer til Haugesund for å fortelle om Blikopeners. Anne, som er koordinator for Blikopeners, er selv forholdsvis ny i ”museumsverdenen”, kan hun fortelle oss. Hun skriver: ”In that way I have the same view and questions about art as the young Blikopeners that I coach.”

Anne har imidlertid mye erfaring med å jobbe med unge voksne i uformelle læringssituasjoner, og har arbeidet mye med ungdommer i ulike kulturelle programmer og workshops. Hennes største hobby bortsett fra arbeidet i museet: hip-hop! Hun har skrevet en avhandling om lyrisk kreativitet innenfor denne sjangeren, og lærer barn om språk gjennom å lytte til og analysere nettopp hip-hop.

Med seg har Anne en av Blikopener’ene: Ahmed Emin Batman (2000, Amsterdam). Han sender oss følgende hilsen, og forteller om seg selv:

Hi! My name is Ahmed Batman, I’m 18 years old and I’m born and raised in Amsterdam. In my spare time I like to hang out with my friends and do creative thinks; think for example about photographing, designing and sewing clothes. Doing creative stuff brought me to the Stedelijk Museum. In 2017, I’ve been part of the Blikopener program and since then I’m active in the museum. As a Blikopener, I tried and still try to awaken my friends about art & culture by giving tours through the collection and organising events. Not everybody should like art, but I think that culture is the main aspect that brings us all together. I am planning to give tours in the museum in Turkish. That because of increasing the accessibility of people from different backgrounds.

Besides being part of the Blikopeners, I am a member of UNICEF Youth of the Netherlands. UNICEF Netherlands chose 10 young people to improve child and youth participation in the Netherlands and guarantee the children rights. Who knows better what children and the youth wants besides themselves? In September this year, I’m planning to start with studying Architecture at the Technical University of Delft. I would like to become an architect and a social worker who brings different cultures together and make this world a better place to live..

Vi gleder oss stort til å høre mer fra Anne og Ahmed!

Festivalplakatene er på plass!

Til HIT/Avtrykk-festivalen har vi fått to flotte plakater montert på vegg. Festivalplakaten er utformet av grafisk designer Ann-Kristin Stølan og Argus Profil står for produksjonen. Plakat nummer to finner du på veggen til Haugesund kommunale pensjonskasse! God påske ønskes alle fra HIT/Avtrykk-festivalen :-)!

Haugesund Billedgalleri

Med mottoet «tilgjengeliggjøringens kunst» vil festivalene HIT og AVTRYKK trekke et større publikum inn i utstillingsrommene. Et av landets fineste kunstmuseer og en aktiv kunstforening er et godt utgangspunkt. Billedkunstner og kunsthistoriker Cecilie Almberg Størkson fra Karmøy bidrar til å få det hele i havn. Av Sten Nilsen, KUNSTPLUSS nr. 1, 2019. Les hele intervjuet her

Haugesund Billedgalleri
HIT-utstillingen 2019: Annonsering av kunstnere!

Gjennom en Open Call ble kunstnere fra hele verden invitert til å søke til HIT-utstillingen som arrangeres under HIT- og AVTRYKK-festivalen. Hver kunstner har kunnet søke med ett verk eller serier innen høytrykksteknikken (tresnitt, linoleumssnitt, trestikk med mer). Ved utgangen av fristen den 31.12.2018 var det kommet inn i overkant av 700 søknader. Mer en 40 nasjoner er representert i søkermassen!

En fagjury, bestående av Thomas Kilpper, Rita Marhaug og Cecilie A. Størkson, vurderte så de innsendte bidragene og har plukket ut 150 kunstnere som får vist sine arbeider på HIT-utstillingen. I tillegg til de 150 kunstnerne har HIT-festivalen også invitert et antall anerkjente nasjonale og internasjonale høytrykkskunstnere til å delta i utstillingen.

Vi vil rette en stor takk til alle som søkte utstillingsplass!

Komplett liste over utvalgte kunstnere, HIT-utstillingen 2019


Through an Open Call, artists from all over the world were invited to apply for the HIT exhibition, which is held during the HIT and AVTRYKK Festival. Each artist could apply with one work or one series made with relieff printing techniques (such as woodcut, linocut and more). By the deadline the 31. December 2018, more than 700 applications had been received. More than 40 nations were represented amongst the applicants!

A professional jury, consisting of Thomas Kilpper, Rita Marhaug and Cecilie A. Størkson, then assessed the submitted applications and selected 150 artists who will show their work at the HIT exhibition. In addition to the 150 artists, the HIT festival has also invited a number of renowned national and international artists to participate in the exhibition.

We would like to extend a big thank you to all who applied!

Complete list of selected artists, HIT-exhibition 2019

Haugesund Billedgalleri